瓦库美术馆于2023年经民政局正式批准，成为一家民营非营利性质的美术馆。据我所知，在郑州，像这样由国家批准成立的非营利性民营美术馆，至少有六七家。不过，瓦库美术馆与其他同类机构相比，有着独特之处。

它最大的特色在于，将艺术展览空间巧妙地融入了自身的商业空间之中。瓦库旗下拥有多家连锁店，而每一家店都设有艺术展览区域，这种将商业与艺术相结合的模式，在民营美术馆中并不多见。当然，这并不意味着它在学术性上有所妥协。相反，瓦库美术馆始终秉持着对艺术的纯粹追求，尤其是在商业运营中，始终将目光聚焦于青年艺术家，尤其是河南本土的青年艺术家，致力于推广当代艺术展览，这已成为其发展的核心方向。

除了展览之外，瓦库美术馆还注重艺术品的收藏，并逐步构建起自己的收藏体系。目前，他们正在积极筹备学术研究工作，以期在未来形成更加完善的学术架构。可以预见，随着这些工作的逐步推进，瓦库美术馆将不仅在学术水平上达到新的高度，还将展现出独特的商业价值和社会意义，成为一座备受瞩目的艺术殿堂。

回顾过去两三年，瓦库美术馆已经成功举办了多场具有学术深度的展览。我曾有幸参与其中，见证了傅强先生、梁越先生等艺术家的作品展出，这些展览都给人留下了深刻的印象。而在2023年，著名艺术家赵半狄的“小窝”展览更是吸引了众多目光。值得一提的是，这次展览在策展方式上进行了大胆创新，不再局限于单一的策展人模式。

展览由席卫权院长担任总策展人，并邀请了马勇先生作为提名嘉宾。他们二人共同挑选了六位青年教师的艺术作品进行展出，而瓦库美术馆则给予了充分的支持与信任，放手让策展团队自由发挥。这次展览不仅为大学里的青年美术家提供了一个展示才华的平台，更通过多样化的艺术形式，向观众传递了瓦库美术馆的独特理念和方向。

更为重要的是，这种以提名方式进行的展览将作为一项长期活动延续下去，每年都会邀请不同的策展人参与其中。这种创新的策展模式打破了以往单一策展人主导美术馆展览的惯例，使得展览内容更加丰富多元，为观众带来了更加广阔的艺术视野。

在个人创作方面，我始终秉持着从传统中汲取灵感的原则，同时融入自身的性格特质、生活经历以及对艺术的独到见解。近年来，我愈发感受到生活的馈赠，它为我的艺术创作提供了源源不断的灵感。初入艺术之门时，我热衷于临摹大师之作，试图从中寻找与自己生活的共鸣点，并将其放大呈现。那时，我更多地关注于技法的锤炼。然而，随着时间的推移，我逐渐意识到，感受与想法的融入才是艺术创作的灵魂所在。我开始将更多的个人情感与思考融入画面，追求心性与艺术的和谐统一。从最初的临摹到如今的自由表达，这一转变过程对我而言意义非凡。

在绘画形式上，我也不再拘泥于传统的仿古风格。如今，我愈发感受到艺术边界的模糊性，一幅优秀的作品，无需刻意模仿古人或重复自我。我们今天探讨的话题也涉及这一点，在中国文化中，工笔画虽易模仿，但写意画却因其蕴含的情感与个性而难以企及。它要求艺术家将内心情感倾注于笔端，正如中国古代文人画所倡导的那样，艺术作品应与创作者的心性紧密相连，而非简单复刻他人之作。

因此，近年来我在艺术创作上经历了从纠结到自由的转变。过去，我常常思索如何运用恰当的语言形式来表达内心世界；而如今，我则更加随心所欲，让艺术创作成为情感与思想的自然流露。

刚才听化馆长介绍咱们美术馆，我深感其特色鲜明、底蕴深厚。化馆长不仅是河南美术界德高望重的艺术家，在美术馆运营管理方面也是专家，在全国美术馆界都极具影响力。瓦库美术馆能走到今天，离不开化馆长以及所有同仁的共同努力与心血倾注，才得以呈现如今这般高雅的格调与独特的展示空间。

在如今这个喧嚣纷扰的时代，人们每日忙碌于生活、工作与学习之中，而瓦库美术馆宛如一方净土，为我们提供了一个闲暇之余能静下心来，感受艺术魅力、品味生活雅趣的绝佳场所。我觉得，这样的空间对于一座城市而言，实在是不可或缺，也是人们内心深处所向往的。

来到这里，大家可以围坐在一起，畅所欲言，也可以静静欣赏墙上悬挂的艺术佳作。刚才化馆长还提到，瓦库美术馆对于未来发展有着清晰的规划与思路，不仅持续举办各类高品质展览，还积极开展学术研究、艺术收藏等工作。我相信，假以时日，瓦库美术馆定能在国内艺术界崭露头角，成为一个极具影响力的艺术品牌，成为大众心驰神往的艺术圣地。

虽说瓦库美术馆是一家民营美术馆，空间规模和展线长度相对有限，但每次举办的展览都极具学术高度与艺术品位。就拿这次展览来说，我观展之后，感触颇深。首先，这六位艺术家均来自高校，拥有深厚的教育背景，从本科到硕士、博士，一路在艺术的道路上深耕细作，最终成为高校专业教师。这样的从艺经历，让他们在艺术创作上具备了纯粹而专业的素养，也为他们奠定了坚实的艺术基础。

每位艺术家都有着鲜明的个人风格与独特的艺术追求，且在学术层面都有着深厚的造诣。瓦库美术馆通过这次展览，倡导学术精神，引领大众透过艺术家们的作品，领略艺术的高下之分。与那些相对通俗、迎合大众口味、格调境界稍逊一筹的作品相比，瓦库美术馆呈现的这六位艺术家的展览，无疑更具学术价值与艺术深度，让大众深刻认识到艺术真正的内涵与魅力。

刚才我提到艺术家们的教育理念，每位艺术家都各有千秋。就拿万全来说，他专注于纯中国画创作，本科阶段便在中国美术学院接受系统学习。众所周知，中国美术学院的中国画教育，一直以来都以纯正地道著称。万全在中国美院的四年学习时光，为他打下了坚实的传统绘画基础，尤其在对传统技法的掌握上，可谓得心应手。

然而，万全并不满足于仅仅传承传统，他在不断探索创新。此次展览中展出的作品，相较于他以往传统的绘画风格，有了明显的突破与转变。这正如他自己所说，早期在中国画教育中，临摹传统是必经之路，需要深入骨髓地领悟传统精髓。但他不满足于此，一直在进行个人探索，如今更加注重挖掘内心深处的生命感受，追求心性的自然表达，力求让艺术创作更加轻松自由。这种对艺术的不懈追求与开放态度，在当今多元发展的艺术环境中显得尤为珍贵。

随着当代艺术的不断发展，艺术边界日益模糊，各种材质与表现手法相互交融。在这样的背景下，艺术家们开始重新审视艺术的本质，思考艺术创作的意义所在。其实，无论艺术形式如何变化，材质如何多样，最终回归的还是艺术家内心最真实的感受与表达。

再看士仓，他以油画创作为主，属于西画范畴。但他私下里对中国传统文化有着浓厚的兴趣与深入的研究，生活方式也极具文人气质。尽管他从事西画创作，但从他的作品中，我们依然能够感受到东方精神的韵味。他对中国本土传统文化遗存，无论是立体的器物、平面的书画，还是民间的艺术、原始的符号，都有着广泛的研究与独特的感悟。这使得他的油画作品在形式上虽然属于西画，但内在却蕴含着深厚的东方气质。这再次印证了，在艺术创作中，材质并非关键，重要的是艺术家如何通过作品传达内心的情感与精神内涵。

自儿时起，我便对画画萌生了浓厚的兴趣。那时候，只要看到有墙的地方，我就会忍不住拿起粉笔，在上面尽情挥洒，勾勒出心中所想。这份对绘画的热爱，如同种子一般，在我心中生根发芽，伴随我度过了成长的岁月。

大学期间，我如鱼得水，沉浸在绘画创作的世界里，留下了诸多作品。从大一大二开始，我便积极参与河南省组织的各类展览和活动。在这个过程中，我的大学老师们给予了我极大的影响、鼓励与支持，他们就像我艺术道路上的明灯，照亮我前行的方向。

这次展示的作品中，有两幅水粉画。其中一幅是挂在墙上的那幅黑白风格的作品，它创作于2007年我大学毕业那年，地点就在开封；另一幅则是近期的创作。这两幅作品都以开封为创作主题，因为在我心中，一个艺术家的生活与创作是紧密相连、息息相关的。而一个艺术家最为重要的品质，便是对生活的敏锐感知力。我所创作的，正是生活中那些深深触动我的瞬间与场景。

读书时，开封的城墙远没有如今这般修缮得如此规整、美观。那时候，城墙就像一个开放的怀抱，任由人们随意攀爬。站在城墙上，目光所及之处，皆是如我画中所描绘的那般景象：一片苍茫、荒芜，远处的民居错落有致，城市在岁月的长河中静静伫立。小街小巷纵横交错，阳光洒在上面，形成一片片光影斑驳。街头巷尾，破破烂烂的小三轮车、随意搭建的广告牌，还有树枝上悬挂着的鸟笼，这些看似平凡无奇的元素，在阳光的照耀下，却散发出一种温暖而感人的气息，那是居民们平凡生活中的幸福感。这一切，都深深打动了我。

或许是因为我没有在专业的美术学院继续深造，我的艺术创作反而拥有了更为宽泛的可能性。就像化老师刚才介绍的那样，除了油画，我还涉猎水粉画，那边还陈列着我的一幅综合材料作品，同时我也热衷于陶瓷艺术的创作。在我看来，无论选择哪种艺术形式，材料都只是承载思想与艺术观点的工具或媒介。关键在于，要根据自己的观点和艺术表达需求，选择最适合的方式去呈现。毕竟，艺术最终是以视觉的形式呈现的，可能是平面的画作，也可能是三维的雕塑。

上上个星期，我们为学生烧制了一批陶瓷作品。当窑门打开的那一刻，学生们都激动不已。我借此机会和学生们分享道：“泥土是有表情的。我们通过自己的双手和独特的艺术观点，将泥土塑造成一件艺术品，再经过火的淬炼，它便完成了从平凡到神奇的蜕变。真正令人感动的，并非学生具备多么高超的技术水平，而是他们将一坨普通的泥土，通过自己的想法和双手，赋予其生命，使其成为一件独一无二的艺术品。这，才是艺术的魅力所在。就像我们走进博物馆，最打动我们的往往不是宋代那些精致华丽的官瓷，而是那些原始的陶罐、用手捏制的器物以及上面质朴的图形。因为它们更加贴近人性，更能唤起我们对原始感受的共鸣。”

这两年，我专注于山水题材的创作。小时候，我总觉得山外有山，人外有人，山西的山峦和神秘的山洞探险，在我心中留下了深刻的印记。如今，这些儿时的记忆和内心深处的情感被重新唤醒，促使我创作了大量山水画。这些作品或许还不太成体系，但正是这种不成体系，赋予了它们独特的个性。我认为，艺术正因为其不断变化、充满无限可能，才得以引领我们不断探索、不断前行，激励着我们在这条艺术道路上坚定地走下去。

然而，当艺术家投身于创作之时，每一幅作品的诞生初衷，往往并非着眼于这些外在的荣耀。他们以一颗真诚且朴素的心，运用自身精湛的技艺，去抒发对生活的深刻感受，去展现成长历程中那些触动灵魂、引发共鸣的瞬间。他们渴望将这些稍纵即逝的感悟，通过独特的艺术语言与个人风格，毫无保留地呈现于世人面前。

倘若艺术家在创作时，满脑子充斥着功利之心，一心只想着作品能否进入知名美术馆，或是能否卖出高价，那么这幅作品很可能难以达到理想的艺术境界。因为艺术的真谛，终究源于艺术家内心深处那股强烈的创作冲动，那是灵魂深处对自我表达的渴望，是一种不吐不快、不抒不畅的情感宣泄。这种冲动，甚至超越了对生死的考量，唯有如此，作品方能具备打动人心的力量，先打动自己，再感染他人，进而引发更广泛的社会共鸣。如此一来，作品自然会吸引那些独具慧眼的藏家与艺术机构的目光。例如，当瓦库美术馆看到某位艺术家的作品，被其深深打动，进而发出收藏邀约，这便是从创作初衷到作品归宿的完美闭环。

当然，艺术作品的社会意义远不止于此。一幅真正优秀的作品，必然蕴含着极高的精神价值，是艺术家个人精神世界的生动写照。同时，它还承载着时代审美的印记，具备独特的审美特质与深刻的精神内涵。

对于观众而言，艺术作品宛如一扇通往不同世界的窗户。透过这扇窗，他们或许能窥见某个历史事件的波澜壮阔，从中汲取经验教训，接受艺术的熏陶与教育；又或许能在春暖花开的画面中，感受到生活的美好与希望，获得心灵的慰藉与愉悦。从宏观层面来看，优秀的艺术作品彰显着艺术家的社会担当与良知；从微观角度而言，即便是一幅描绘娇艳花朵的朴素画作，只要能让观众在欣赏时心生感动，领略到美好，便已实现了其存在的意义。

由此可见，真正感人至深的艺术作品，其价值并不取决于尺幅大小或题材的宏大与否。无论是重大历史题材，还是普通的社会场景，亦或是艺术家个人情感的质朴表达，只要能够触动人心，便是佳作。就如同生命，无论贫富贵贱，皆平等珍贵。对于艺术家而言，创作的核心在于捕捉那些打动自己的瞬间，以真诚的态度、精湛的技艺将其呈现。唯有如此，作品才能蕴含艺术家的独特情感，在保持个人鲜明艺术语言与风格的同时，避免千篇一律、重复雷同。因为每一幅作品都是艺术家不同情绪的记录，反映着他们独特的内心世界，正是这种差异赋予了作品持久的生命力与观赏价值。

在绘画与艺术的道路上，技术与思想、观念的融合至关重要。古人云“技进乎道”，这恰恰揭示了技艺与艺术境界之间的微妙关系。每一位艺术家在成长过程中，都会遭遇各种困惑与挑战，如同攀登一座座山峰，需要不断思考、探索。而这一过程，往往无法依赖他人，唯有依靠自身的领悟与努力。正如“识心自渡”，唯有自我救赎、自我突破，方能真正领悟艺术的真谛。

无论是国外艺术大师，还是中国传统艺术名家，都十分强调艺术家在成长过程中阅历、经历、读书、交友、游历等因素对艺术的滋养。正是这些丰富的经历，如同肥沃的土壤，孕育着艺术之花的绽放，使艺术在岁月的沉淀中不断精进，绽放出更加绚烂的光彩。

化建国：咱们眼前的这家美术馆，展出的这 6 位青年艺术家兼青年教师的画作，与大家在普通美术馆看到的作品，有着别样的韵味。

在我看来，这里的画作，尤其是民营美术馆所呈现的，皆是画家内心真正想表达的，也是他们渴望与观众分享的。回想起我年轻时，为了展览而创作，而如今，这里展出的作品，实则是大众从众多作品中挑选出来的，认为它们值得在此展出。这恰恰体现了艺术的真诚，也正因这份真诚，这些画作才能触动人心，引发观众别样的感受。

为何大家在欣赏画作时，总会提及“感受”二字？或许外界对此并不十分明了。当我们引导非专业人士参观展览时，他们往往首先关注的是作品是否好看、是否美观。这已然成为当下艺术欣赏，尤其是美术与音乐欣赏的一大局限。人们总认为音乐必须悦耳动听，美术作品必须赏心悦目。这种观念，无疑限制了我们对艺术更深层次的理解与感悟。

此外，美术教育方面的问题也不容忽视。回想起我们的学生时代，以及更早之前的教育经历，公共文化课中艺术欣赏课的比重实在微乎其微。正是这种教育背景的缺失，导致了我们在艺术欣赏上的诸多局限。

因此，我认为今天能够来到瓦库美术馆参观展览的朋友们，尤其是与前两场参观者相比，你们能够在这里真切地感受到艺术的魅力，这实在是一件难能可贵的事情。

付万全：刚才化馆提及美术馆与画家以及社会功能之间的关系，让我深受触动。我曾有一次印象极为深刻的经历，那是在成都，我前往方所书店——那是一座坐落于地下的庞大书店。置身其中，我不禁感慨万千。

曾几何时，城市中的新华书店，本是知识的殿堂、文化的灯塔，如今却摇身一变，成了售卖羽绒服等商品的地方。试想，若一座城市失去了书店，那它便失去了文化传播的纽带，丧失了文化根基的滋养。我们热爱书店，正是源于对知识的渴望、对文化的尊崇。

反观当下，我不禁思索：在郑州，若没有瓦库美术馆这样独具特色的存在——一家将餐饮与艺术完美融合的美术馆，我们还能否寻得第二家，无论是餐饮场所还是其他机构，能为我们提供这样一个欣赏绘画艺术的绝佳契机？这恰恰凸显了美术馆的社会功能，它肩负着引领与传播艺术之美的重任，正如化老师所言，让绘画作品的美，得以在更广阔的天地间传承与发扬。

一幅优秀的绘画作品，不仅能够提升整体空间的艺术氛围，更能如化老师所说，让家居环境“蓬荜生辉”。当一幅幅精美的艺术品悬挂于空间之中，整个空间的气质便瞬间升华，焕发出别样的光彩。

因此，我认为艺术品与空间之间，存在着一种微妙而深刻的联系。若没有瓦库这样的餐饮与艺术相结合的场所，我们在郑州，还能否找到一个与之相媲美，甚至更胜一筹的空间，让我们有机会去参观、去感受艺术的魅力？这，或许正是瓦库美术馆存在的意义所在，也是它给予我们的深刻启示。

李士仓：我时常提及一个观点：绘画，实则堪称心灵的一面明镜。绘画作品往往蕴含着治愈人心的力量。

就拿我自己的书房来说吧，我自认为藏书颇丰，尤其是美术类书籍，数量甚至超越了新华书店的陈列。然而，在这满室书香之中，最引人注目的，莫过于墙上悬挂的一幅国画，以及一幅书法对联。那对联出自健强老师之手，是他赠予我的珍贵礼物。上联“胸中已有山林气”，下联“门外何妨市井缺”，字里行间透露出一种超脱尘世、悠然自得的生活态度。每当我步入书房，目光触及这幅对联，内心便瞬间归于宁静，仿佛置身于山林之间，远离了尘世的喧嚣。

我曾有过这样一段经历：有一年，我带领学生在宏村湿地写生。当时，我正专注于一幅小型写生画的创作，全然未觉身后悄然站立着一位观众。他从清晨站至傍晚，直至我完成画作、收拾画具时，才走上前来，询问是否可以购买这幅画。当我问及他为何如此喜爱这幅画时，他向我倾诉了一个凄美动人的爱情故事。由于时间有限，我无法在此详尽复述那段故事，但我愿意相信他内心的那份真挚情感。于是，我婉拒了出售的请求，转而将这幅画赠予了他。在我看来，这幅画不仅是我心灵的映照，同样也温暖了那位观众的心。它，已然成为了他心灵的一面镜子，既映照出我内心的宁静与淡泊，也映照出他内心深处那份对美好情感的向往与珍视。

化建国：每位艺术家在发言时，往往都能从独特的视角切入，这正是艺术家个性的生动体现。他们之所以具备独到的分析能力与判断力，源于从小对绘画的热爱以及专业训练的深厚积淀。

谈及美术馆与艺术品的价值，它们对我们的生活与命运有着不可忽视的影响。如今，我们常被教导要成为有学问的人，多读书便是学问的象征，这一观点本身无可厚非。然而，我们似乎忽略了视觉艺术同样是一门至关重要的学问，却鲜少有人提及。

其实，博物馆中陈列的从原始社会到近代社会的各类器物，无一不是时代精神的直观展现。视觉艺术与绘画语言，作为人类除文字之外的另一种重要表达方式，甚至在某些方面比文字更为古老，承载着每一代人、每一个时期独有的情感与感受。

史书记载固然重要，但其中难免存在偏差，因为历代皇帝常会根据自身意志对史实进行修饰，从而抹去了许多真实的生活理念。相较之下，博物馆中的展品则为我们提供了更为真实的视角。无论制作者被视为手艺人还是艺术家，他们的作品都蕴含着对时代的真实表达。

特别是上古时期的艺术作品，更是让我们得以窥见那个时代人们的生活状态，感受到他们的淳朴与真诚。这也是我今日想要与大家分享的——绘画艺术，绝非仅仅是一幅画的创作，而是一种情感的抒发与表达。艺术家们通过绘画，向我们传递着他们的生活感受、政治见解、不满情绪乃至恐惧心理。

因此，当我们欣赏每一幅画作时，不必纠结于其背后的具体含义。重要的是，你从中感受到了什么？你的内心产生了怎样的共鸣？这才是真正的艺术欣赏与感受。

艺术学习经历给艺术家带来了什么样的体会？

李先生：首先，我想向万全老师请教两个问题。

第一个问题是，刚才李老师分享了他自己创作作品时那种发自内心的感悟，对于您自己的作品，您是否也能和我们分享一下，在创作过程中，您内心最真切的体会是什么呢？

第二个问题呢，我了解到您目前正在澳门科技大学攻读博士学位。作为美术专业的学生，或者说是处于这个专业学习的特定阶段，您从中国美术学院的本科阶段，到山东艺术学院的研究生学习，再到如今博士阶段的学习，这一路走来，尤其是在博士阶段，您获得了哪些深刻的体会呢？这些学习经历对您未来的事业发展，又带来了哪些宝贵的益处呢？

付万全：针对您提出的这两个问题，我来详细作答。

先说第一个问题。我有一幅作品，名为《赤虬》。这名字背后，藏着我对作品形态的独特构思——它宛如一条虬龙，又似灵蛇，透着股文人墨客的雅致与传统的韵味。就像士仓老师刚才提到的，我家里布置得颇为雅致，常以茶会友，只不过，我将这份雅趣融入了绘画的形式之中。在中国绘画的长河中，松树一直是常见的题材，承载着深厚的文化底蕴。而我，之所以选择松树作为创作主题，源于在荣宝斋举办《如松》个展时的感悟。那时，我意识到，做人当如松，要有气节，有坚守。古人以梅兰竹菊、松树入画，实则是借物言志，表达内心的追求。而我，不过是将这份心意，化作了一条似龙似蛇的松树形象。

或许有人会问，为何我如此偏爱这一题材，甚至反复描绘？其实，这是我早期创作的一幅作品，画面中还配有一块石头。有人戏称，那石头活像只小乌龟。而我，这些年来一直在探索的，正是画面中的“关系”。我常跟学生们讲，一幅画，构图是否和谐至关重要。为何要画三块石头？为何讲究大中小、黑白灰的搭配？这看似是技法问题，实则关乎画面的和谐之美。就像一个家庭，成员间若缺乏沟通，便难以和睦。绘画亦是如此，需要找到各种元素之间的平衡与呼应。

过去，我过于注重形的塑造，尤其是主形的刻画。但渐渐地，我开始意识到，复形的处理同样重要。一个优美的复形，能让主形更加出彩。这就像王羲之与颜真卿的书法，一内敛一豪放，虽风格迥异，却都展现了书法的韵味。在绘画中，我也追求这种和谐之美，努力让画面中的各个元素相得益彰。比如，我画松树时，虽未用红色，却借鉴了古人以朱砂画竹的技法，意在营造一种独特的意境。去年是龙年，我便将这份灵感融入了创作之中。

再来说说第二个问题。在澳门攻读博士学位，给我带来了截然不同的学习体验。那里的教育模式与国内大相径庭，更接近于西方教育体系。老师们授课认真且包容，虽然他们更多地传授西方现当代艺术理论，装置艺术等方面的知识，对东方艺术的讲解相对较少，但正是这种跨文化的交流，让我受益匪浅。

我之所以选择读博，不仅仅是为了获得学位。更重要的是，我的绘画创作陷入了瓶颈期，作品缺乏新意，仿佛陷入了无尽的重复之中。作为艺术家，我渴望突破自我，寻找新的创作灵感。因此，我希望能找到一位良师，引领我走向更高的艺术境界。在澳门的学习经历，不仅让我在艺术上有所精进，更让我学会了从不同的角度审视世界和艺术，拓宽了我的视野和思维方式。

李士仓：咱们学校的年轻老师们，今日授课时都展现出了非凡的方法与技巧。他们精心制作了绚丽夺目的PPT，巧妙地运用问题引导，结合多元化的媒介手段，只为点燃学生心中的学习热情。

付万全：其实，我们在当下的教学实践中，和您一样，也遭遇了诸多挑战。经过深入反思，我们逐渐探寻到一个核心问题：如今的学生，似乎少了我们当年那份对艺术的纯粹热爱。回想起往昔，我们曾背着画架，辗转全国各地参加考试；为了购置一本心仪的画册，甚至不惜连续三个月只吃白水煮面和泡面。而现在的孩子，他们学习画画，更多是为了考取大学，而非出于内心的热爱。那种晚上将画架一铺，便就地而眠的痴迷与执着，在他们身上已难觅踪迹。

李士仓：我曾有过一段少儿美术教学的宝贵经历，如今站在选择的十字路口，深感迷茫。一方面，是顺应天性、自由挥洒的艺术教育；另一方面，则是遵循体制内既定标准的传统教学模式。若从艺术规律出发，我坚信应当选择解放孩子的天性，让他们在艺术的海洋中自由遨游。然而，体制院校的考核标准却如同一道无形的枷锁，让人难以抉择。

李健强：一方面，正如刚才那位同学以及士仓老师所提及的，从制度层面来看，当下确实存在一些问题。而从办班的角度出发，这个问题我也曾与众多朋友深入探讨过，之前也有过诸多思考。

化建国：在教导儿童绘画时，一定要充分激发他们的天性，切不可用任何刻板、僵化的方式去束缚他们。当孩子开始在纸上涂鸦时，即便只是随意画个小疙瘩，我都会鼓励她：“你大胆地画，把整张纸都画满。”在她绘画的过程中，我绝不会去教她该怎么画。

瓦库潘总：瓦库为何要做这些事呢？相信不少茶客以及关注瓦库的人，心中都存有疑问，不同的声音和看法也层出不穷。在此，我愿一并作出回应。