2月15日下午，“味象有品”瓦库美术馆首届青年艺术家提名展对话沙龙（第二场）在瓦库50号（郑州眼）店举行。此次活动不仅是一次艺术的盛宴，更是青年艺术家与社会各界交流思想、碰撞灵感的璀璨舞台。

参加本次沙龙的主要嘉宾有河南大学美术学院副院长王圣松，河南省美术馆副馆长高敏，郑州市雕塑壁画院原院长、河南雕塑学会名誉会长、郑州市美术家协会名誉主席张松正，以及吴健、杨波两位艺术家。众多艺术界人士围绕“AI与艺术之间的关系”“观念艺术的创新与发展”“民营美术馆与公立美术馆如何发展”等议题展开了深入探讨。

吴健

毕业于中国美术学院版画系，先后获学士、硕士学位。现执教于郑州科技学院，二级美术师，中国美术家协会会员。

杨波

毕业于南京艺术学院。国家万人计划青年拔尖人才，河南省高层次人才C类，河南省优秀教师，河南大学明德特聘教授，博士研究生导师，中国美术家协会版画艺委会委员，中国美术家协会会员，中国油画家学会会员，河南省第九届文联委员，河南省美术家协会理事。

王圣松：今天，我们所参与的这项活动，是一场意义非凡的艺术家对话沙龙。它不仅仅局限于台上这几位杰出艺术家之间的思想碰撞与交流，更是一个宝贵的机会，让在座的每一位艺术爱好者都能深入其中，共同探索艺术的无限可能。

这场沙龙的核心价值，在于它搭建了一个开放而包容的平台，让艺术不再是高高在上的存在，而是能够贴近每一位热爱它的人。我们鼓励大家，不论是对艺术有着独到见解的资深爱好者，还是初涉艺术领域的新朋友，都勇敢地分享自己对艺术的看法、困惑以及那些激发思考的问题。这是一个让思想自由飞翔、灵感相互激发的空间，我们期待在这里，每个人都能找到属于自己的艺术之光。

杨波：在我求学的岁月里，我有幸遇到了几位对我影响深远的老师。其中一位，便是享誉版画界的大家——杨春华老师，他不仅在版画领域有着卓越的成就，同时在中国画这一博大精深的艺术中，也是非常具有代表性的画家。而另一位令我铭记于心的导师，是版画系的系主任周一清先生。是苏天赐先生的门下，苏天赐先生在全国艺术界享有极高的声誉，几乎与吴冠中先生齐名，是真正的艺术巨匠。

因此，我深感自己在求学期间得到了无比珍贵的多画种的认知。我的老师们对于绘画的理解，从未局限于某一特定的风格或技巧，而是将绘画视为一种更广泛、更深刻的变革力量，它不仅关乎画面的创新，更触及美术领域的整体演进，乃至艺术本身的深刻变革。

我坚信，今天能够聚集在这里的每一位朋友，心中都怀揣着对艺术的无限向往。而这份对艺术的热爱，往往始于一个看似微小却意义深远的点——画画。无论是版画、壁画、油画，还是其他任何艺术形式，都是艺术大河中不可或缺的涓涓细流。而我，或许正是因为得到了这份宝贵艺术基因的传承，才能在油画、版画、插图、水彩等多个领域都有所涉猎和尝试。

在我看来，艺术的价值在于其开放性和包容性。正是这种开放式的思考方式，让我成为了艺术的受益者。在座的熟悉我的老师或许都知道，我的作品跨越了多种艺术形式，这正是我对艺术开放性和多元性理解的体现。我深信，正是这种对艺术的深刻理解和广泛涉猎，让我的艺术之路更加丰富多彩，也让我有机会与在座的各位共同分享这份对艺术的热爱和追求。

吴健：我这次带来的作品，包含两个系列，它们均源自于我平日的生活体验与感悟。与瓦库的结缘，始于这次展览的契机。初至此地，我便深感其环境与我的理念不谋而合。瓦库倡导从自然中取材，秉持环保、自然、简洁的设计理念，这不仅体现了对自然环境的尊重，也彰显了生活艺术化与艺术生活化的完美融合。其内部陈设中的老家具系列，更是循环利用、简约生活的典范，这与我追求的生活态度不谋而合。

我的创作灵感，往往源自于生活的点滴。比如早期的《山海经》系列作品，便是我本科毕业后首次参加河南省第六届版画展的代表作，这组作品还成功入选了全国第19届版画展的选拔。对我而言，这组作品具有里程碑式的意义，它不仅标志着我艺术生涯的起点，更是我对传统文化与图像表达结合的初次探索。

随着时间的推移，我的创作理念也在不断演进。《山海经》系列之后，我开始尝试将文字与图像相结合，创作出了一种全新的艺术形式。这组作品以古琴谱字为灵感，通过左手与右手的指法技术，将传统文化与我的个人生活体验相融合，形成了一种独特的艺术语言。这种创作方式，不仅突破了我早期的图像化表达，更开启了我对文化与艺术结合的深入思考。

在此基础上，我进一步探索了跨文化融合的可能性，将中国的书法与古琴音乐与古埃及文化相结合，创作出了一系列具有跨文化特色的作品。这些作品不仅展示了不同文化之间的碰撞与融合，更体现了我对艺术无限可能的追求。

近年来，我又从中国传统哲学中汲取灵感，创作出了《有朋自远方来》系列作品。这组作品以《论语》为启示，通过画面中的中间色调、文字与图像的重叠等技法，表达了我对传统哲学与当代艺术对话的深刻理解。

我的创作过程，往往是在遇到瓶颈时回归生活，从生活的点滴中寻找灵感。当灵感与我的想法相结合时，一个新的作品便应运而生。这种创作方式，不仅让我能够不断突破自我，更让我在艺术的道路上越走越远。

问：两位都是安徽人，是什么样的缘分让你们选择扎根河南？

杨波：那个时候选择来到河南，初衷其实很简单，就是因为商丘师院作为一所本科院校，为我提供了一个难得的就业机会。在那个年代，能够进入本科院校工作，确实是一件颇为不易的事情。因此，在初来乍到之时，我并没有怀揣着过多明确的目标或宏大的规划。

然而，当我真正踏上河南这片土地，与母亲闲聊时，她不经意间的一句问话，却让我开始重新审视自己的选择。她问：“如果当初你留在老家，会不会也能有如今这般好的发展呢？”这个问题，让我开始深入思考，河南这片土地究竟能给我带来什么。

在河南的十八年间，我见证了河南美术的发展历程，也亲身感受到了河南美术人的团结与互助。无论是老一辈艺术家们的悉心指导，还是中青年艺术家们的相互扶持，都让我深感温暖。在这个大家庭里，大家彼此视为朋友，相互推举，共同前行。这种“送人玫瑰，手留余香”的氛围，让我深受感动。

当然，人与人之间的相处难免会有矛盾与摩擦，但河南美术人的整体风貌却始终是积极向上的。他们对待艺术的态度、对待生活的热情，都深深地感染着我。就像我身边的张松正先生、高敏馆长以及王院长等人，他们不仅在专业上给予我诸多帮助，更在为人处世方面为我树立了榜样。

而瓦库这个平台的出现，更是为我打开了一扇新的大门。在这里，我有幸结识了许多志同道合的朋友，大家共同探讨艺术、分享生活。这种跨越地域、跨越行业的友谊，让我倍感珍惜。

如今，当我回首过去，发现自己已经深深地爱上了这片土地。无论是它的文化底蕴、人情世故，还是河南美术人一代又一代的奋斗精神，都让我感到无比的敬仰与自豪。因此，当别人调侃我“乐不思蜀”时，我总会笑而不语。因为我知道，在这片土地上，我找到了属于自己的归属感与使命感。而这种“乐不思蜀”的状态，对我来说，未尝不是一件好事。

吴健：我之前曾前往北京投身于当代艺术领域，但那时当代艺术市场并不景气。因此，我选择了回到河南，创办了一个美术培训机构，专注于美术教育。然而，我逐渐意识到，这并非长久之计，我内心深处依然对艺术创作怀有无比的热情。

在那段日子里，我创作了大量的作品，并积极参与了河南省内外的众多展览，始终以河南人的身份深入其中，不断探索与成长。我的作品和名字，开始在河南乃至全国的艺术圈内逐渐崭露头角。

后来，我决定重返校园，于2017年考入中国美术学院读硕士学位。在2020年毕业后，我面临着新的选择。虽然北京等大城市依然是我心中的向往，但我在河南结识了许多志同道合的朋友，特别是与张松正老师，程兆星老师，版画圈的老师们建立了深厚的感情。这种熟悉感和归属感，让我再次选择了回到河南。

这十几年来，我经历了许多波折和选择，但最终还是回到了这个让我心生敬畏和依恋的地方。我开始相信，人生中的某些事情，仿佛是冥冥之中早已注定，有些缘分和定数，不是个人的意志所能转移的。无论我们如何规划未来，总有一些无形的力量在引导着我们前行。

因此，我学会了更加珍惜眼前的每一刻，更加努力地追求自己的梦想。我相信，只要心怀热爱和坚持，无论身在何处，都能找到属于自己的舞台和光芒。

张松正：我非常赞同圣松刚才的观点，确实是河南这片广袤的厚土，以其独有的魅力，吸引了远道而来的两位安徽艺术家，并让他们在这里尽情挥洒才华，取得了显著的成就。这次展览，瓦库无疑策划了一场精彩的活动，通过艺术家策展和青年提名的方式，展现了六位杰出艺术家的风采。

今天，我们有幸邀请到了杨波和吴健两位艺术家，而在此之前，已经有两位艺术家进行了首次精彩的对谈。接下来，还将有另外两位艺术家进行对谈，这样的安排实属难得。

作为一位老郑州人，我生在郑州，长在郑州，已经度过了70多个春秋。在此，我斗胆代表河南人民，向远道而来的两位安徽青年艺术家表示最热烈的欢迎！你们的到来，为我们的艺术界注入了新的活力，也让我们有机会领略到不同地域文化的独特魅力。期待你们在未来的日子里，继续在河南这片热土上绽放光彩，创作出更多令人瞩目的作品！

高敏：将杨波与吴健两位艺术家放在一起探讨，确实充满了趣味性和深意。他们都出身于版画领域，但各自的艺术道路却展现出了不同的风貌。

杨波以其铜版画技艺著称，是我最早认识的河南年轻一代版画艺术家之一。当时，在我们美术馆构建版画收藏体系的过程中，杨波的作品因其独特的艺术魅力而被收入其中。尽管我们身为校友，但由于学术领域的不同，我们在校园中并无太多交集。然而，在工作中，我们逐渐产生了交集，我也得以更深入地了解他的作品和创作理念。

同样令人瞩目的还有吴健，他的版画作品在松正老师策划的天然版画奖展览中脱颖而出。尽管我们平时交流频繁，但当我认真审视他的作品时，依然能感受到其深厚的艺术功底和独特的创作视角。

将这两位艺术家放在一起，我们不难发现他们之间的共性，同时也看到了他们各自独特的艺术路径。他们都拥有强烈的探索精神，不断在艺术创作中寻求新的突破。杨波的探索体现在他跨越不同艺术媒介的能力上，他不仅能够驾驭版画，还能在水彩、油画等多个领域游刃有余。这种广泛的探索精神使他的艺术实践过程充满了新奇和趣味，同时也形成了许多行之有效的创作方法。

而吴健则更注重在相对固定的媒介中不断拓展观念。他的作品充满了变化性，不断尝试新的突破，以表达他所要传递的观念。他的艺术作品中，观念性尤为突出，强调通过作品引发人的思考，反思生活中的旧有观念和事物的价值判断。他以版画为媒介，通过语言的拓展来支撑观念的实现，使作品与语言紧密结合，巧妙而深刻。

从地域文化的角度来看，尽管杨波和吴健都是安徽人，但他们的艺术创作却深受中原文化的影响。他们的作品中，既体现了南方艺术体系的训练痕迹，又融入了中原地区的文化基因。这种文化的交融和碰撞，使他们的作品更加丰富多彩，也为我们研究地域文化提供了新的思考角度。

在我看来，杨波和吴健两位艺术家都以不同的方式展示了艺术的不断拓展和探索精神。这种精神不仅体现在他们的艺术创作中，也对我们生活中的态度、视角和思考方式产生了深远的影响。他们提醒我们，要不断拓展旧有的认识，以更加开放和包容的心态去面对生活中的一切挑战和机遇。

问：人工智能对艺术是冲击还是辅助？

杨波：我认为，绘画艺术在其发展历程中，曾面临过一次重大的挑战，这一挑战源自摄影术的诞生以及工业时代的来临。特别是在19世纪末的欧洲，当摄影技术以其精准的记录能力迅速普及时，绘画的功能性受到了前所未有的质疑。

在过去，绘画承载着两大主要功能：一是服务于教会，尤其是在天主教盛行的时期，壁画、祭坛画等艺术形式成为了教堂装饰的重要组成部分；二是服务于上流社会，为有钱人记录生活、彰显地位。

然而，随着摄影术的兴起，这些功能似乎都可以被更加便捷、高效的摄影技术所替代。一时间，绘画的生存空间似乎被严重挤压，人们开始思考绘画是否还有存在的必要。然而，这次危机并没有导致绘画的消亡，反而促使绘画艺术经历了一次深刻的重生。艺术家们开始意识到，绘画的价值不仅仅在于对形态的精准描绘，更在于其能够引发的思考、表达的情感以及传递的观念。于是，绘画逐渐从对自然存在的完全描绘中解脱出来，开始步入到更加自由、多元的创作领域。

欧洲印象派的诞生，正是这一转变的重要标志。印象派艺术家们不再拘泥于对形态的精准捕捉，而是更加注重色彩的运用和情感的表达。随后，后印象派等艺术流派相继涌现，他们的作品更加抽象、更加富有表现力，进一步推动了绘画艺术的革新。

如今，我们正处于人工智能技术迅猛发展的时代。与当年的摄影术相比，人工智能在图像生成和处理方面展现出了更加惊人的能力。然而，正如历史所证明的那样，技术的革新并不会取代艺术的价值，反而会成为艺术发展的新动力。我相信，在人工智能的大潮之下，绘画艺术以及各行各业都将找到适合自己的发展道路，并在这一过程中实现新的飞跃。

当然，未来的具体走向仍然充满未知。但正是这份未知，赋予了我们无限的期待和想象。让我们共同期待未来，见证艺术与技术交织出的崭新篇章。

吴健：人类天然具备的某些特质，是科技永远无法完全模拟或拥有的独特宝藏。这些特质，作为自然人的一部分，构成了我们真实存在的核心。

真正的艺术，源自于这种真挚与纯粹。当我们向技术发出指令，它或许能通过大数据分析、学习并融合各种风格，创造出新的艺术作品。但在这过程中，那个最原始、最本真的“一”——即自然人独有的灵感与创造力——始终是不可或缺的。这是科技无论如何也无法复制的。

我们时常会在新兴的科技展览上，看到那些令人惊叹的创新成果。然而，这些成果往往很快就会被新的技术所取代，成为“旧艺术”。相比之下，由自然人创作的作品，即使历经数百年，仍然能够触动人心，因为它们表达的是创作者的真实思想和情感。

科技与自然人在某些方面确实存在差异。例如，儿童身上常常展现出令人惊奇的特异功能或天赋，这些特质在他们成长过程中可能会因为各种规范而逐渐消失。但当我们成年后，又往往会试图找回这些失去的本真与纯真，渴望回到最初的那个状态。这正是科技所无法替代的——我们自然人、碳基生命所特有的、无法被复制或模拟的特质。

因此，尽管科技在不断发展，但我们仍然要珍视并保护这些自然人独有的特质。它们是构成我们真实自我、赋予我们独特价值的重要部分。

高敏：我们不能忽视人工智能对我们的生活所产生的深远影响，这种影响不仅已经显现，而且我们也有理由大胆预测，它将继续深刻地塑造我们的生活方式、思考模式以及艺术创作。尽管人工智能无法完全取代艺术的核心价值，但它无疑会对艺术的未来走向产生重要的推动作用，甚至在某些方面引领艺术的转向。

一方面，人工智能将影响艺术创作的方向和趋势。它不仅能够作为艺术家的辅助工具，帮助他们减少在创作过程中遇到的一些不必要的障碍，提高工作效率，还可能激发新的创作灵感和风格。艺术家们将更多地利用这一技术，探索艺术的新边界。

另一方面，人工智能所带来的变革更多地体现在对我们观念的转变上。随着时代的发展，艺术的形态和载体也在不断变化。从最早的壁画到今天的架上绘画，每一种艺术形态都承载着特定时代的文化和审美。而人工智能时代的艺术，则可能呈现出更加多元、跨界的特点。它可能会超越传统的绘画载体，探索新的艺术形式，如虚拟现实艺术、增强现实艺术等，这些都有无限的可能。

此外，人工智能时代的艺术还将承担起提供生活中所缺失元素的重要角色。随着人工智能技术的普及，我们的生活变得越来越便捷，但同时也可能带来某种缺失感。这种缺失感源于我们在现实生活中无法完全体验到的某些情感、经历或思考。艺术家们将敏锐地捕捉到这一点，通过艺术创作来满足人们的这种社会诉求，创造出一种现实中难以得到的体验和价值。

这种补偿心理的存在，使得艺术在人工智能时代具有更加独特的价值。它不仅能够弥补我们在现实生活中所缺失的部分，还能够激发我们对生活的热爱和思考。因此，我们有理由相信，在人工智能的推动下，艺术将焕发出新的生机和活力，成为我们生活中不可或缺的一部分。而这种价值的存在逻辑，也将随着时代的发展而不断演变和深化。

张松正：我深感现代科技确实为我们的生活带来了诸多便利，然而，它并不能取代艺术的价值。就像我们在享受汽车、火车、高铁和飞机的快速出行时，却也会怀念起绿皮车的独特体验。艺术，正是这样一种能够给予我们独特感受与体验的存在。

艺术并非追求速度与效率，它不在于让我们快速地达到某个目的地，也不在于追求与实物的高度相似。美术创作更不是简单地复制现实，像摄影那样追求逼真。艺术，是让我们在忙碌的生活中，找到一片属于自己的宁静之地，让我们能够慢下来，去感受、去体验。

就像绿皮车带给我们的那种怀旧与舒适感，艺术也能给予我们独特的情感体验。当我们想要散步，想要享受一个悠闲的下午时光时，艺术就像那片草坪，让我们能够静下心来，漫步其中，感受生活的美好。

因此，我认为我们不应该因为科技的便利而忽视艺术的价值。相反，我们应该更加珍视艺术，运用它来丰富我们的精神世界，让我们的生活更加有意义。不需要太多的理由和资格，只要我们愿意去感受、去体验，艺术就能在我们的生活中绽放出独特的光芒。

问：艺术家如何通过色彩的运用表达情感？

杨波：当我们深入探讨艺术这一话题时，不难发现，无论是绘画、播音主持、舞蹈，还是餐饮艺术，它们之间都存在着某种共通性。这种共通性，或许就是我们常说的“道”，是艺术追求的核心所在。

在绘画中，我们讲究色彩搭配与节奏韵律，这不仅仅是为了画面的美观，更是为了传达一种情感与意境。同样，在播音主持中，主持人也需要根据现场情况和采访对象，灵活调整自己的语速、语调，以达到最佳的控场效果。这种把控能力，与我们在绘画中对色彩与节奏的把握，有着异曲同工之妙。

艺术之所以相通，是因为它们都在追求一种最佳的状态，一种能够触动人心、引发共鸣的美好。这种美好，可能是直观的真善美，也可能是让人反思的观念艺术。但无论如何，艺术的目的都是为了让我们感受到一种积极、向上的力量。

在我个人的艺术探索中，我始终追求艺术的极致状态，希望观众在与我的作品互动时，能够感受到最佳的节奏和韵律感。这种感受，不仅仅是视觉上的享受，更是心灵上的触动。因此，我认为，无论是绘画、播音主持还是其他艺术形式，我们都应该注重作品的内在节奏与韵律，让它们在传达美的同时，也能引发人们的思考与共鸣。

虽然这样的讨论可能有些抽象，但我相信，我们共同追求的艺术之道，正是为了让这个世界变得更加美好、更加和谐。

问：AI绘画能否代替人类艺术？

张松正：在现代社会，我们追求的不仅仅是物质的富足，更是精神的充实与幸福。画画、听音乐、追求优雅生活，这些都是我们为了让生活更加丰富多彩、更加有意义而创造的活动。

然而，当AI技术日益成熟，我们也不得不面对它所带来的挑战。AI作品往往呈现出一种套路化的美感，天蓝、水绿、人物光鲜亮丽，过渡色处理得恰到好处。但正是这种过于完美的呈现，让我们能够一眼识别出它的“AI身份”。尽管如此，AI始终无法替代人类艺术家的独特魅力。

在欣赏杨波和吴健两位艺术家的作品时，我深刻感受到了这一点。吴健的版画作品，在黑白灰的层次中，通过细腻的刀法刻画出丰富的灰色调子，每一个细节都凝聚着艺术家的心血与享受。而杨波的油画作品，则更加注重色彩与光影的处理，他以灰色调为主，通过深浅、轻重以及肌理上的变化，营造出一种模糊而又不失高级感的画面效果。这种效果并非对真实对象的简单再现，而是艺术家通过提炼与概括，传达出对主题的独特理解与感悟。

艺术，实际上是一种单纯而丰富的表达。它追求的是在简单的基础上呈现出丰富的内涵与层次。正如吴健的作品，虽然看似简单，却蕴含着深刻的思考与情感。而杨波的作品，则通过模糊与概括的手法，让观者在欣赏的过程中感受到一种超越现实的意境与美感。

因此，我认为艺术并非对现实的简单再现，而是一种创造与提炼的过程。它需要我们用心去感受、去领悟，从而在简单与丰富之间找到一种完美的平衡。这种平衡，正是艺术的魅力所在，也是我们追求精神富足与幸福生活的重要途径之一。

问：未来，民营美术馆和公立美术馆之间发展趋势会呈什么样的走势？

瓦库美术馆：从2017年至2023年，瓦库美术馆成功举办了超过30场展览，涵盖了绘画、版画、雕塑、装置艺术、摄影等多种艺术形式。这些展览不仅丰富了我们的文化生活，更让我们深刻感受到艺术对大众的影响日益加深。

随着物质生活水平的提高，人们对美的追求和对艺术的关注也在不断增加。这种对艺术的热爱和追求，反映了大众自我意识的觉醒，也证明了在河南，特别是在郑州市场，大众对于艺术审美和艺术熏陶的需求正在日益增长。

在这七年的时间里，瓦库美术馆通过举办约40场艺术展览，营造了一个浓厚的艺术氛围。这种氛围无需过多介绍，就能让大众自然而然地感受到艺术的魅力。尽管有些展览的主题或作品对于大众来说可能较为深奥，但这并不影响他们对艺术的喜爱和追求。

我们深刻感受到，民营美术馆在提升大众艺术审美方面发挥着不可或缺的作用。它们能够在日常休闲生活场景中，让大众在不知不觉中受到艺术的滋养。科学研究表明，长时间在艺术氛围下熏陶，确实能够提升个人的艺术审美能力。

郑州的艺术市场仍有待进一步培育和发展。公立美术馆和民营美术馆应携手合作，共同举办更多高品质的艺术活动，以推动艺术市场的繁荣。我们相信，这种双赢的合作最终将惠及大众，让艺术成为我们生活的一部分，使我们的生活更加美好。

未来，瓦库美术馆将继续致力于艺术与生活的结合，秉持“艺术生活化，生活艺术化”的理念，让大众在艺术审美的滋养下，感受到艺术的魅力。我们希望，通过我们的努力，能够让艺术在郑州这片土地上生根发芽，绽放出绚烂的花朵。

高敏：公立美术馆与民营美术馆，在当前虽然存在诸多分歧，但未来的发展趋势却趋向于融合。这一融合的背后，有着深刻的内在逻辑。

公立美术馆，如同滚雪球般日益壮大，其资金主要源自财政拨款。相比之下，民营美术馆则更多地依赖于自我造血能力，包括捐赠作品和资金等。在西方，民营美术馆往往通过社会捐赠得以维系，如那位胰岛素发明者，他凭借丰厚的财富收藏了大量艺术品，并在去世后捐赠给公众，形成了开放性的美术馆。

然而，在中国，民营美术馆的发展路径却与地产模式紧密相连。早期，许多房地产商为了提升生活区的配套设施，吸引居民，纷纷投资建设美术馆。但如今，这种模式已逐渐泡沫化，民营美术馆面临着资金不足的严峻挑战。如何在资金有限的情况下，持续运营并满足公众需求，成为了民营美术馆亟待解决的问题。

与此同时，公立美术馆虽然数量不断增多，但也同样面临着经费紧张的局面。因此，无论是公立还是民营，美术馆都面临着如何在经费有限的情况下，激发公众主动参与美术馆建设的热情，以获取持续发展的活力。

未来的美术馆，如果脱离公众，缺乏与社会的紧密联系，其发展空间将极为有限。因为单一的资金来源无法支撑美术馆的长期、长远发展。因此，美术馆需要更加接地气，与公众产生互动，激发公众的参与热情，共同推动美术馆的建设与发展。

综上所述，公立美术馆与民营美术馆在未来的发展中，将趋向于融合，共同面对经费挑战，激发公众参与热情，以实现美术馆的持续、健康发展。

张松正：我对瓦库怀有深深的喜爱，特别是高馆长所阐述的经营理念，让我深感共鸣。瓦库美术馆的运营，不仅依赖于坚实的经费支撑，更在于那份深植于心的文化情怀。从最初的文学领域，如诗歌、小说，到如今的艺术拓展，这种情怀的延续与升华，让我看到了瓦库独特的魅力与追求。

我衷心期望瓦库美术馆能够兼具美术馆与画廊的双重属性。它不仅能够向社会大众展示艺术作品，更能成为一个推销艺术的平台，让更多人有机会接触到并爱上这些珍贵的艺术品。展览是一个循序渐进的过程，它需要时间让观众慢慢品味、深入理解。而我希望，瓦库能够在这个过程中，让更多人不仅欣赏到艺术之美，更能将这份美带回家中，成为他们生活中的一部分。

在我看来，美术馆扮演着两个至关重要的角色。一方面，它是培养画家的摇篮，尽管这个功能相对有限；但更重要的是，美术馆是提升大众艺术情怀的殿堂。我们不需要每个人都成为画家，但我们需要更多人拥有欣赏艺术、理解艺术的能力与情怀。或许，有人只是偶尔涂鸦几笔，却能够欣赏艺术，这才是我们更需要培养的能力。

因此，我真心希望瓦库美术馆能够越办越好，吸引越来越多的“粉丝”。愿瓦库能够继续坚守那份文化情怀，用艺术点亮更多人的生活，让艺术之美在每个人心中生根发芽。

王圣松：今天，在座的许多女性朋友，你们本身就是天生的艺术家。从小，你们就与美结下了不解之缘，无论是化妆、挑选丝巾的款式，还是与衣物的搭配，你们总能以美为核心，展现出独特的审美眼光。

而瓦库，正是这样一个将艺术融入生活的典范。他们不仅将烹饪提升到了厨艺艺术的高度，更在装修设计上独树一帜。那些看似不起眼的建筑垃圾，如青砖瓦片，在他们的艺术设计中被点石成金，化腐朽为神奇，打造出了一个充满艺术感的艺术空间。

瓦库不仅仅是一个美术馆，它还融合了厨艺美食与设计艺术。在这里，你可以品尝到精致的美食，感受到舒适优雅的环境，更能欣赏到各种艺术作品。瓦库所追求的，正是一种艺术化的生活方式，让生活与艺术紧密相连，相互交融。

因此，我诚挚地邀请大家常来瓦库，品味美食，享受优美的环境，同时到美术馆欣赏作品。在这里，你可以让心灵得到放松，让艺术为你的生活增添一份别样的色彩。

瓦库美术馆是瓦库在现有空间功能上的延伸，作为艺术和商业结合的深度探索，秉持 “艺术生活化，生活艺术化” 的理念、自由独立、包容开放的态度，以“关注当代艺术、关注本土艺术”为核心方向，突出展览、美育 、文创、交流四大功能 ，为国内外艺术家搭建艺术展示的平台。

此次活动不仅为青年艺术家提供了一个展示才华的平台，也促进了艺术爱好者、评论家、策展人及艺术家之间的深入对话与合作。同时也践行了瓦库美术馆“滋养社会大众审美”“艺术生活化、生活艺术化”的目标。

（来源：瓦库官微）